Introdução ao Design Gráfico 1

O design gráfico se origina das artes gráficas, mas se diferencia da arte e se torna uma atividade e um campo de conhecimento autônomo quando os profissionais (artistas, arquitetos, artesões e diretores de arte), já em seus escritórios e ateliês, começam a desenvolver projetos para a indústria produzir em massa.

Antes disso, o artista ou artesão fazia um objeto único, especialmente, mas agora deveria planejar objetos para serem feitos em muita quantidade e que deveriam se adequar à maioria dos usuários.

A necessidade de comunicação com o público e o consumidor passa a exigir não que o artista expresse seus sentimentos e emoções, mas que as formas expressem uma idéia, comuniquem uma mensagem, provoquem uma reação, despertem as atenções, ou seja, o trabalho nesse momento passa a ter objetivos definidos previamente, muitas vezes sem a participação do artista.

Isso é um ponto importante para a definição da atividade do designer gráfico porque exige:

* um conhecimento específico. Para desenvolver a atividade é necessário, além de um conhecimento amplo sobre as imagens, a sociedade e o ambiente, conhecer as técnicas de produção e reprodução, conhecer os materiais, a legislação específica, saber como funciona a percepção visual do espectador e desenvolver habilidades para manipular formas e cores visando atingir um fim específico;

* um método de trabalho adequado.

Enquanto a arte busca novos olhares, provocando os limites de nossa percepção da existência, e trabalha em direção ao desconhecido, o design sabe aonde quer ir. A arte tem um ponto de partida, o design um ponto de chegada, mas têm em comum o trabalho inventivo.

Então, o que o designer precisa aprender sempre, cada vez mais em sua carreira, se refere principalmente a:

* linguagem visual (sistemas de formas e cores);

* percepção visual (aspectos fisiológicos, psicológicos e referentes aos processos de significação)

* ergonomia;

* aspectos da sociologia e da comunicação;

* filosofia (estética e ética);

* recursos técnicos e materiais;

* o que acontece no mundo.

Além disso, é importante desenvolver sempre, de modo reflexivo, os métodos de trabalho. Desenvolver habilidades para elaborar sistemas de comunicação eficientes, estéticos e éticos é um processo permanente.

A atividade criativa cotidiana é instigante e gratificante, mas difícil. A responsabilidade de descobrir, fazer novas relações, inventar, reinventar, inovar, surpreender e o dinamismo exigido na profissão atualmente, podem gerar muita ansiedade. Todos têm momentos mais e menos criativos.

Muitas vezes as experimentações parecem conduzir para caminhos distantes da solução, e os profissionais passam por momentos “de branco”. Cada um vai lidar de forma pessoal com esses momentos: alguns ficam “ruminando” o tema, falando, sonhando, buscando referências; outros procuram se desviar do assunto por um tempo; outros buscam antigas anotações; outros criam manias estranhas... Mas saber conduzir as idéias para a solução de um problema específico de comunicação é uma questão de método.

Muito se discute sobre a metodologia de projeto em design. Mas qual a necessidade em se adotar uma metodologia? Uma metodologia projetual adequada e flexível e uma base de conhecimentos teóricos e técnicos são necessários mesmo para os mais criativos e geniais.

É necessário se desenvolver o trabalho dentro dos prazos estabelecidos, de acordo com os preceitos do projeto, com os conhecimentos que se pode ter no momento, e com o mínimo de ingenuidade possível quanto às suas formas de produção, seus usos e repercussões.

Desenvolver um projeto não é seguir uma receita de bolo, mas frente à complexidade que um projeto de design pode englobar e a quantidade de pessoas que pode envolver, é necessário saber objetivar o processo e procurar compreender não apenas o que e como se pretende fazer algo, mas também para quem e por que.

A ergonomia é uma área de pesquisas parceira no processo de design. É a ergonomia que estuda a adaptação das coisas ao uso do homem, a usabilidade dos produtos e sistemas projetados pelos designers.

A relação do design com a ergonomia foi se aprofundando e hoje a ergonomia é intrínseca ao projeto.

Até os anos oitenta o design seguia uma ênfase tecnológica, e o processo de trabalho, dividindo o problema em subproblemas, seguia passos bem definidos. O ergonomista oferecia recomendações para designers e engenheiros, baseadas em características da percepção, da atenção, da memória humanas.

Depois o projeto passou a ser concebido como um ciclo, em que a necessidade dos usuários passou a ocupar o centro das atenções. O ergonomista já estava mais presente nas etapas de desenvolvimento do projeto, fazendo previsões de uso, fazendo adequações e testando as opções e protótipos durante o próprio processo de concepção. Este ciclo de design é também chamado design participativo ou interativo, porque considera que a opinião do usuário é importante para determinar a usabilidade do sistema.

Hoje a problemática foi ainda mais ampliada. Também devemos agora considerar a tecnologia, incluindo aí os sistemas de informação, como instrumentos sociotécnicos. Além dos aspectos individuais e humanos, é necessário considerar os aspectos sociais, o que será feito com o sistema, que motivos tem a sociedade para projetá-lo, quais os agenciamentos necessários para concretizá-lo. Agora se fala de desenho contextual (Cañas; Waerns, 2001).

A atividade projetual incide em questões estéticas, culturais, éticas, políticas, ideológicas, tecnológicas, ecológicas e econômicas, num complexo sistema de interações. Enquanto a ciência busca novos conhecimentos, inovações cognitivas, o design trabalha com inovações socioculturais. O design pode ser considerado como uma espécie de ativismo cultural, assim como a arte e a educação.

Interferir na cultura, mobilizar atenções, interesses e atitudes não é uma atividade simples. Algumas soluções podem ser adequadas tecnicamente, coerentes com os propósitos, mas não tão inovadoras ou surpreendentes como gostaríamos. O contrário também pode acontecer, o designer desenvolver um trabalho lúcido, ousado e inovador e o cliente, por menosprezar a capacidade de compreensão do público, ou por não aceitar os riscos, preferir uma solução mais técnica, conhecida e segura para o trabalho.

E isso pode ser imprevisível porque geralmente o cliente propõe que se desenvolvam trabalhos originais e diferenciados, e acredita que é isso que quer, mas nem sempre as inovações são compreendidas ou aceitas.

Nesta seção, vamos buscar as referências da arte nas experiências e discussões que propõe, inclusive, na arte pura, sem pretensões utilitárias, já que a formação estética é uma das bases do design gráfico.

Mas é preciso especificar o significado dessa palavra. É comum se utilizar a palavra “arte” para qualquer coisa bem feita: a arte do amor, a arte de curar, a arte de fazer acontecer, a arte da negociação, a arte da guerra, a arte de fazer pão, a arte da mentira, a arte da radiografia digital aplicada na ortodontia, a arte de rotear conexão de internet, e o que se quiser assim chamar.

Não está errado esse uso, era esse mesmo o conceito original da palavra arte, ou tekné, para os gregos, que também significa a técnica de fazer uma coisa com perfeição. Mas o conceito de arte não é único. Para os antigos gregos, arte é algo muito diferente do que foi para os egípcios, para os chineses, ou é para nossa civilização.

De forma muito simplificada, podemos indicar como eram diferentes as imagens de diferentes povos, na sua intenção, nas formas e na forma de ver.

Na Pré-história, os homens que viviam em cavernas tinham uma percepção da natureza provavelmente diferente da nossa. Em alguns períodos as imagens produzidas eram muito realistas. Acredita-se que eram mágicas para eles. Eram convincentes por conterem potencialmente seus medos e desejos, permitindo que esses fossem manipulados, explorados. Já a arte que conhecemos dos egípcios antigos usava muitas convenções, não era tanto a habilidade do artista para o desenho ou a naturalidade das formas que interessavam. Eles usavam símbolos que representavam seus deuses, suas hierarquias, seus feitos, e que também tinham grande utilidade para a vida depois da morte, para a eternidade.

Os gregos queriam parecer naturais, mas mais belos ainda que a natureza imperfeita, e a técnica para atingir essa perfeição era admirada. O desenvolvimento dessa arte foi muito marcante na nossa história. Os romanos utilizaram como modelo o estilo dos gregos para contar a sua história, uma história de conquistas e construções imponentes que mereciam serem exaltadas. Na Idade Média, a arte não deveria encantar, mas educar. A igreja pretendia ensinar um povo analfabeto pelas imagens simples e informativas. O Renascimento valorizou o conhecimento, a razão e redescobriu os clássicos como sua expressão. O Barroco extrapolou as formas valorizando a emoção que era capaz de provocar. Os movimentos modernos diversificaram os recursos poéticos, e na arte contemporânea tudo pode ser arte, cada artista trabalha com ilimitadas possibilidades artísticas.

São coisas muito diferentes. O que têm em comum para serem chamadas de arte?

O conhecimento, a experiência, a forma de vida, ou seja, as perguntas e a exploração poética são certamente muito diferentes entre diferentes povos. Mas mesmo na nossa civilização cada pessoa terá percepção de mundo, interesses e preocupações diferentes de seu vizinho contemporâneo, e um olhar próprio para a arte.

O conceito de arte é particular porque só existe arte se a circunstância ou o objeto artístico promover uma experiência estética, e a experiência é algo pessoal. Mas afinal, o que significa estético? Este é um importante conceito que merece ser bem entendido.

Muitas vezes a palavra significa beleza. Dizemos que é estético algo que é belo. Mas estética é uma área da filosofia e procura entender como uma situação artística é capaz de promover um estado diferenciado de lucidez ou encantamento.

A substância capaz de provocar essa experiência, o conteúdo estético, esteve associada por longo tempo ao belo clássico, harmônico e equilibrado, podendo também se referir à beleza moral. Algo muito belo, deslumbrante, também parece provocar uma vontade de sermos melhores, de coisas boas. De forma simplista a ideia pode ser observada nos estereótipos em que a bruxa má é feia, e a menina boazinha é linda.

Mas não apenas o belo, também outras categorias podem provocar uma situação estética:

* o feio, que desagrada, repugna ou ofende, pode ter um efeito estético ao questionar o mundo humano, mostrando a fealdade como forma de elevar nossa consciência. O feio é o que não se quer ver, o abjeto, o que se finge não existir. Observar seus detalhes pode nos conduzir a outras descobertas, à coragem, ao enfrentamento;

* o sublime, algo grandioso ou elevado que se encontra em fenômenos da natureza ou em comportamentos que extrapolem a existência normal cotidiana, ocorre como estético ao salientar a dimensão humana e sua fragilidade. O sublime é a percepção da pequenez da existência, é conhecer a essência do grão. Com as tecnologias digitais o sublime tecnológico também passou a ser considerado como possibilidade de experiência do sublime;

* o cômico, ao exibir uma contradição entre algo que se apresenta como valioso e sua inconsistência ou falta de valor, pode ser uma forma estética de crítica social bastante potente. O cômico é forte principalmente para a desvalorização de valores importantes, imponentes, mas bobos;

* o trágico é catártico, apresenta uma impossibilidade de algo pelo qual vale a pena morrer. O trágico estético é diferente de uma desgraça, não é algo triste simplesmente. Revela as limitações dos desejos mais grandiosos, a vida não pode atingir a perfeição e a plenitude;

* o grotesco, mostrando o estranho, o fantástico, o absurdo, o irracional na realidade que se apresenta como coerente, também pode promover uma experiência estética. O grotesco é algo que existe potencialmente, ás vezes aterrorizantemente. Não é real, mas se acredita.

Várias situações ou objetos podem promover uma experiência estética, mas é a arte que se ocupa especialmente dela.

Para entender melhor a diferença entre arte e design leia a entrevista concedida por Giselle Beiguelman à Juliana Monachesi para o Jornal Folha de São Paulo (Caderno Mais, 18/01/2004).

Juliana Monachesi (Folha) - As fendas no sistema são os alvos preferidos dos artistas contemporâneos.É famoso o trabalho do grupo RTMark, intitulado“Barbie Liberation Organization”, que consistia no roubo de bonecas Barbie e G.I. Joes de lojas para trocar o dispositivo de vocais entre um e outro e repor os brinquedos nas prateleiras. Em 1999, uma exposição on-line dedicada inteiramente à relação entre arte e jogo — “Cracking theMaze – Game Plugins and Patches as Hacker Art” (Abrindo uma fenda no Labirinto – Acessórios e Modificações de Jogos Como Art Hacker) — trazia outra obra do RTMark: com a cooperação de um programador da empresa que desenvolveu o jogo “SimCopter”, um simulador de vôo, o grupo modificou o figurino de alguns dos personagens, vestindo machões com sunguinhas coloridas. Segundo os artistas 80 mil cópias do jogo teriam sido distribuídas antes de descobrirem a sabotagem. (...) Em que medida videogames ou games on-line podem ser contemplados no campo das artes?

Giselle Beiguelman - Games e videogames em si não são sinônimos de arte digital. A indústria dos jogos dá vazão a muito lixo e muita coisa interessante. Confunde-se hoje, exaustivamente, rigor técnico e design com o que poderia ser considerado atributo das experiências artísticas que se fazem com mídias digitais e telecomunicações. Nesses quesitos, os games on-line são pródigos, mas isso não implica que possam, como categoria genérica, ser contemplados no campo da arte. Paradoxalmente, os poucos games que poderiam ser discutidos nessa perspectiva são os que põem em questão as “regras do jogo”: o imaginário militarista, os enunciados autoritários e sem ambivalência, o resultado definitivo como regime de agenciamento mobilizatório.

Conhecer as manifestações artísticas de diferentes culturas nos permite contextualizar a época em que se vive e sua relação com as demais, observar de forma crítica o que existe na nossa cultura e compreender que os valores que estão enraizados nos nossos modos de pensar e agir são relativos. Mas além de conhecer a história é importante que se desenvolva autonomia na manifestação pessoal para fazer ou apreciar arte.

A arte se diversificou tanto, ampliou tanto seus recursos poéticos, que muitas vezes não basta contemplar, é necessário pensar sobre o que se vê. Os procedimentos e materiais da arte foram radicalmente ampliados, tornando-se mesmo intangíveis. A arte pode ser apenas projeto, sem obra, ou nem isso, apenas idéia, ou, ao contrário, um gigantesco processo de apresentação de mensagens intertextuais, visuais, sonoras, sinestésicas, olfativas, táteis, que nos atingem simultaneamente e de modo muito dinâmico. Isto gera a necessidade de desenvolvermos nossa percepção para nos integrarmos a esse ambiente multisensorial, compreendê-lo e transformá-lo.

A história, a crítica, a filosofia, a psicologia, os estudos da estética, da semiótica, etc. nos oferecem diferentes olhares propiciando mais intimidade e novas maneiras de aproximação das formas artísticas.

A estética é uma área de estudos da filosofia que começa a ser discutida na Grécia antiga. Nesse momento seu principal objetivo era definir o que era a beleza, e as razões de imitar a beleza em forma de escultura, pintura ou arquitetura. Mas a estética ampliou sua abordagem para diferentes categorias, tentando entender como algo se torna artístico e não como se torna belo.

A produção artística é fruto de uma cultura e pode manifestar os desejos, ideais, angústias e contradições dessa sociedade, mas é também resultado da capacidade imaginativa de um indivíduo. A sociologia procura identificar as relações entre a arte e os modos de vida, a psicologia entre a vida do indivíduo e sua expressão na arte. Também os estudos da psicologia investigaram o comportamento do observador e nos fornecem amplo material de pesquisa.

A crítica já esteve ligada a questões puramente filosóficas, discutindo as razões e os meios da arte, já se direcionou mais especificamente para os aspectos estruturais na composição das imagens e na formação de seus significados, já foi tratada como uma busca de interpretar a arte com pretensões científicas. Podemos considerar a crítica como um olhar, também criativo, que pretende ampliar a percepção estética, um texto para além da obra.

A semiótica é uma área de conhecimentos que estuda os signos e como os significados se constituem. Mas a semiótica não é uma ciência única, a semiótica francesa, americana ou soviética partem de pressupostos e conceitos diferentes e inclusive seus congressos e seminários são separados.

De uma forma muito ampla é possível dizer que a semiótica estuda o que está na obra, independentemente do que seria a intenção do artista, e analisa como cada elemento participa da significação do todo. Observa também que esses significados acontecem no mundo, num contexto específico e para um observador único.

A história pode ser contada por diferentes abordagens: formalista (como desenvolvimento do conhecimento das formas e técnicas), história social da arte e do design (como reflexo da cultura de cada sociedade), psicológica (considerando a individualidade de quem produz ou observa), romântica (valorizando o mito do dom e do gênio do artista), semiótica (através dos diferentes significados que os signos adquirem ao longo da história), filosófica (ou seja, pela estética). Esses estudos podem fertilizar o processo criativo.

O design gráfico não é ilustração de um conteúdo textual ou verbal. A linguagem gráfica é também conteúdo e tem potencialidades próprias. Cada detalhe, cada fonte, cada espaço vazio, cada cor é significativa.

Para nossa formação é importante desenvolver a percepção visual, olhar bastante e conhecer as discussões, a história da produção de imagens. Se conhecermos, por exemplo, muitos trabalhos abstratos, certamente vamos entender melhor suas diferenças, suas intenções e vamos apreciar uns mais do que outros. Às vezes procuraremos encontrar referências a coisas do mundo, e até encontramos, mas são associações pessoais e não estão intencionalmente numa obra abstrata. Numa observação mais atenta vamos descobrindo outras significações, talvez menos representativas do mundo de objetos que conhecemos e apreciando mais ou menos a expressão gráfica, o gesto preciso do artista manifestado na obra, o ritmo gráfico alcançado pela combinação de cores, a organização das formas, as sensações que provocam, ampliando nossas formas de ver.

O resultado de um trabalho gráfico é gráfica, por isso é importante experimentar, esboçar as idéias, olhar, comparar e descobrir formas originais para uma comunicação efetiva. As imagens podem ser figurativas, decorativas ou abstratas e estabelecer diferentes formas de interação com os textos, sons, música e movimentos.

Observe nas figuras anteriores como a imagem pode ser redundante com o texto, mas também complementar e enriquecedora.

O texto também é imagem, e sua forma é significativa. O trabalho do designer não tem necessariamente como objetivo representar algo. A intenção pode ser transmitir uma ideia, informar, provocar determinadas sensações, emoções ou promover uma atitude. Representar pode não ser necessário.

Um dos riscos do trabalho é limitar a experimentação buscando representar o que se quer transmitir e provocar. Num trabalho de design a representação é apenas uma opção. Uma imagem representativa pode ser uma imitação mais naturalista ou menos naturalista de alguma coisa. Mesmo que seja uma representação estilizada de algo, a representação ou re-apresentação significa que essa coisa já é conhecida mas não está presente, é representada pela imagem. Mas a imagem pode não representar nada conhecido. Pode apenas apresentar algo, ser aquilo que é sem se referir a nenhuma coisa externa a ela. Por isso é importante definir o que se pretende com o trabalho, mais do que o que se quer dizer com ele.

Para Alexander Manu (1995, p.17), o resultado de um trabalho de design deve servir para ampliar a experiência humana mantendo o espírito da grande ideia:

A grande idéia é o acontecimento social ou invenção humana que o resultado do design pretende servir. Exemplos: (1) Uma cafeteira é projetada com o objetivo de produzir um líquido denominado café. O café é por sua vez, produzido para que possamos degustá-lo e para o evento no qual o bebemos. Contudo, nenhum desses objetivos seria possível sem a grande idéia de tostar os grãos de café, moê-los e extrair (por infusão ou mediante métodos) um líquido para ser usado por um grupo de pessoas num momento de descontração. (2) Uma raquete de tênis é projetada com o propósito de (ou para desempenhar a função de) bater numa bola de tênis. Acertar a bola faz parte da experiência de uma atividade física específica durante um evento que chamamos jogar tênis. No entanto, nada disso seria possível sem a grande ideia de uma competição amigável entre dois ou mais indivíduos, dentro de um espaço e regras definidos que denominamos jogo de tênis.